Luego de la presentación de Utopians en el Motoclub de todos los lunes en The Roxy Live Bar, Bárbara Recanati, su cantante y guitarrista, conversó con NYCityLovers acerca de la movida neoyorkina de la década del '70 y de qué manera la influenció a la hora de ponerse al hombro una de las bandas más emblemáticas del under porteño.
Remarcó la importancia de la figura de Patti Smith en su vida y confesó no sentirse a la altura de la poeta del rock cuando aparecen las comparaciones.
Además de trazar un mapa de los grupos claves de la corriente conocida como NYC '77, Barbi planteó la relevancia del rock latinoamericano, linkeado más con el espíritu del CBGB que las propias bandas neoyorkinas actuales.
viernes, 2 de julio de 2010
lunes, 28 de junio de 2010
El mundial en las escuelas
A raíz del trastorno en las rutinas laborales y escolares que produce el mundial de fútbol Sudáfrica 2010, El Ministerio de Educación Nacional autorizó en un comunicado a las escuelas a que los alumnos puedan ver los partidos dentro de las instituciones, en el horario escolar.
La polémica se abre, así como ya ocurrió en el 2002 y en el 2006, cuando los especialistas debaten las estrategias pedagógicas a utilizar en las aulas para transformar el interés por el evento deportivo en una actividad con fines educativos.
Estela María Pérez, licenciada en gestión y administración educativa y vicepresidenta de
lunes, 21 de junio de 2010
Los neoyorquinos recuerdan a Warhol
Hace más de 20 años que la ciudad de Nueva York no realiza una muestra con los trabajos de uno de sus vecinos más relevantes, Andy Warhol. El Museo de Brooklyn decidió entonces abrir sus puertas para recordar los últimos diez años de la carrera del padre del Pop art, incluyendo varias de sus obras de menor difusión.
Este personaje imprescindible del circuito artístico neoyorquino ideó en la última década de su vida unas 3.500 obras. Período que ha sido calificado por expertos críticos como la época más compulsivamente creativa del autor. Además, se destacan su innovación permanente y su debilidad por lo nuevo y lo experimental.
La muestra abre con la colección "Oxidation Painting" confeccionada por Warhol en la década de los setenta. El imaginario pop del artísta se revela entonces desde el comienzo, así lo planificó el museo de Broklyn y bien atinado fue. Atrás quedó, para los organizadores de esta muestra, el artísta eternamente atrapado en sus clásicos retratos de Marilyn Monroe y las inmortalizadas sopas Campbell.
Una de sus más auténticas propuestas está representada en sus lienzos trabajados con acrílico que resultaron en imágenes fluorecentes. El secreto, tan original como escabroso fue revelado por Warhol: lienzos de lino, pintura acrílica y orina. 
Un artísta ícono del pop, que supo representarlo creando a partir de sus grandes ídolos y llegando a sus manifestaciones más abstractas. El siguiente video tributo lo recuerda...
Florencia Golender
El gran espectáculo de la Gran Manzana
El corazón cultural de Manhattan late y late sin descansar. Recientemente, los puntos de venta de boletos para todo tipo de shows fueron convertidos en obra de arte. Luego de su inauguración, los TKTS de Broadway adornan con su creatividad el ya famoso Times Square.
Los TKTS 30 años atrás...
La ciudad de Nueva York se nutre día a día por poseer una de las estructuras y disposiciones más innovadoras del mundo, tanto en lo comercial como en lo artístico. Concientes de ello, importanes íconos como la avenida Broadway y el cruce de las principales avenidas que lleva el nombre de Times Square acompañan constantemente la línea de desarrollo y renovación que la metrópoli exige naturalmente. Esta vez fue el turno de los TKTS de Broadway que parecieran ser sólo puntos de venta de boletos para espectáculos pero, con ubicación en el imponente Times Square, difícilmente sólo eso son.
Estos puntos de venta datan de hace ya más de 30 años y, a lo largo de este tiempo, su popularidad fue creciendo cada vez más, hasta convertirse ellos mismos en un punto turístico importante de la ciudad.
Esta obra de arte urbana fue creada por el diseñador Nicholas S. Leahy y tiene dos puntos de principal atracción: la plaza Father Duffy y la Rubi Red Stairs que cuenta con capacidad para 1500 personas en sus 27 escalones de acrílico.
Así, el Times Square renueva su arquitectura y su brillo propio pero manteniendo siempre su finalidad como ícono de la cultura artística estadounidense, en este caso, las 12 nuevas taquillas del TKTS, además de ahora verse muy modernas también son un servicio que ofrece la Gran Manzana con descuentos en innumerables espectáculos dentro y fuera de Broadway.
El nuevo TKTS de Broadway desde adentro...
Florencia Golender
Los TKTS 30 años atrás...
Los TKTS hoy...
La ciudad de Nueva York se nutre día a día por poseer una de las estructuras y disposiciones más innovadoras del mundo, tanto en lo comercial como en lo artístico. Concientes de ello, importanes íconos como la avenida Broadway y el cruce de las principales avenidas que lleva el nombre de Times Square acompañan constantemente la línea de desarrollo y renovación que la metrópoli exige naturalmente. Esta vez fue el turno de los TKTS de Broadway que parecieran ser sólo puntos de venta de boletos para espectáculos pero, con ubicación en el imponente Times Square, difícilmente sólo eso son.
Estos puntos de venta datan de hace ya más de 30 años y, a lo largo de este tiempo, su popularidad fue creciendo cada vez más, hasta convertirse ellos mismos en un punto turístico importante de la ciudad.
Esta obra de arte urbana fue creada por el diseñador Nicholas S. Leahy y tiene dos puntos de principal atracción: la plaza Father Duffy y la Rubi Red Stairs que cuenta con capacidad para 1500 personas en sus 27 escalones de acrílico.
Así, el Times Square renueva su arquitectura y su brillo propio pero manteniendo siempre su finalidad como ícono de la cultura artística estadounidense, en este caso, las 12 nuevas taquillas del TKTS, además de ahora verse muy modernas también son un servicio que ofrece la Gran Manzana con descuentos en innumerables espectáculos dentro y fuera de Broadway.
El nuevo TKTS de Broadway desde adentro...
Florencia Golender
Exponen los míticos Coloramas de Kodak
Aquellas enormes fotografías panorámicas que decoraron Nueva York durante décadas son exhibidas desde el 19 de este mes en una muestra en la residencia del fundador de Kodak, convertida en el Museo Internacional de Fotografía y Cine de la Casa George Eastman, en Rochester.
Los Coloramas se publicitaban como las instantáneas más grandes del mundo -medían más de 18 metros de largo y casi 6 de alto- y dominaron la transitada estación Grand Central de Manhattan desde 1950, como reclamo publicitario de Eastman Kodak, aquella empresa fundada en 1892 que logró convertirse en la marca fotográfica por excelencia.
"Estas inmensas fotos luminosas reflejaban las aspiraciones y valores estadounidenses, al tiempo que alentaban a las personas para que captaran sus propios momentos especiales", declaró en el día de la inauguración Alison Nordstrom, curadora de la muestra.
Iluminados desde detrás con más de un kilómetro y medio de neones, en total se llegaron a mostrar 565 Coloramas, siempre de uno en uno. Generalmente retrataban el prototipo del american way of life. Fueron sacadas de circulación en 1990, cuando se renovó la estación neoyorkina en búsqueda de un cambio de aire.
En la última fotografía gigante que se instaló se podía ver el horizonte de NYC con una enorme manzana roja detrás, colocada mediante el único retoque digital incluido alguna vez en un Colorama. Al lado de podía leer: "Kodak agradece a la Gran Manzana 40 años de amistad en Grand Central".
The Strokes vuelve a los escenarios
Luego de haber tocado en Londres bajo el curioso seudónimo de Venison, los neoyorkinos de The Strokes se subieron a un escenario juntos por primera vez en cinco años, en el festival de la isla de Wight, en Inglaterra.
Abrieron el recital con New York City Cops, de su disco debut Is This It, que ,a pesar de haber quedado afuera de la edición norteamericana luego de los ataques a las Torres Gemelas, se convirtió rápidamente en una de las canciones emblemas de la banda.
El grupo conformado por Julian Casablancas, Nick Valensi, Albert Hammond Jr., Nikolai Fraiture y Fabrizio Moretti conformó un line-up que también incluía a Doves, Editors y The Hold Steady, y repasó su trayectoria en catorce canciones, entre las que figuraron hits como Reptilia, Soma, Is This It y The Modern Age.
Los neoyorkinos, que fueron los impulsores del retro rock hacia principios de 2000, están preparando un cuarto disco anunciado para el año que viene y, mientras tanto, continúan con sus proyectos solistas.
lunes, 7 de junio de 2010
Retratos, de Truman Capote
En el día del periodista, es posible evidenciar las mejores expresiones del oficio homenajeando a un gran escritor. En sus comienzos Truman Capote trabajó para la revista The New Yorker, allí se publicaron los artículos periodísticos que más tarde se convertirían en un libro. Al igual que el título que lleva su publicación más famosa, Truman Capote era un hombre de sangre fría. Un periodista con una memoria sin igual que no utilizaba grabador y a quien no le preocupaba ensuciar las manos en el barro para conseguir la mejor declaración que un entrevistado le pudiera dar. Es que, no hay otra forma de entender sino la creatividad de la pluma de Capote en Retratos, que permite descubrir el alma de sus personajes al mismo tiempo que, casi, deja entrever la suya propia.
El libro cuenta con diferentes perfiles de personalidades de varias ramas del arte que Capote conoció a lo largo de su vida. Los que más repercusión tuvieron son los de Marilyn Moroe, donde su fama de fem fatal es reemplazada por la de una mujer sensible y frágil, y el de Marlon Brando, que le costó a Capote su amistad con el actor y de quien escribió: “La voz siguió hablando, como si sólo tratara de escucharse a sí misma. Su conversación es un monólogo”.
Pero, también, Retratos presenta entrevistas a otros íconos del cine (que tiene mucha presencia en el libro) como Liz Taylor, Charles Chaplin, John Huston. Hay perfiles de destacados de la pintura, como Pablo Picasso y Marcel Duchamp. También, personalidades literarias como Ezra Pound e Isak Dinesen.
Así, descubrir a la persona detrás del personaje y su contraste entre cómo un artista se ve a sí mismo y cómo es visto por los demás, requiere sin duda de un retrato fiel. El autor, imperturbablemente, se centra que en todo aquello que el entrevistado intenta ocultar cuando está en público. Pero al hablar de otros se le hace ineludible a Capote hablar de sí mismo. Retratos es la forma imperturbable en que el autor se muestra a sí mismo en sociedad.
Florencia Golender
M.I.A. vs. The New York Times
Finalmente, M.I.A. consiguió que el NY Times se rectifique. Ante las acusaciones de la cantante, que afirmaba que la entrevista publicada estaba mal editada intencionalmente y que sus declaraciones fueron cambiadas, el editor aclaró muy tibiamente que se habían unido dos citas de momentos distintos en un párrafo.
La historia viene así: el NY Times publicó una entrevista que la periodista Lynn Hirschberg le había hecho a M.I.A., conocida también como Maya Arulpragasam. En la nota fue retratada como una persona poco consecuente, que disfruta de los lujos de vivir en NYC pero a la vez defiende los derechos de los habitantes del tercer mundo con muchas contradicciones. Además, se publicaron declaraciones de la cantante criticando a Diplo (colaborador de la artista) y a Romain Gavras, director de su controversial video, Born Free.
M.I.A, Born Free from ROMAIN-GAVRAS on Vimeo.
El mismo día de la publicación, M.I.A. publicó en su cuenta de Twitter el número de teléfono de la periodista, cuya casilla de mensajes se desbordó enseguida. Hirschberg afirmó estar “muy enojada” pero no sorprendida por las acciones de la cantante: "Fue muy poco ético de su parte, pero así funcionan los provocadores".
M.I.A. también publicó en el blog de su discográfica NEET extractos de la entrevista, para demostrar que lo que se escribió en el diario está tergisversado y editado con mala intención. Y, para coronar, estrenó Haters, que samplea la canción de Various Production, Hater.
miércoles, 2 de junio de 2010
Muestra de Robert Mapplethorpe en el MALBA
El Malba inaugurará el jueves 4 de junio Robert Mapplethorpe. Eros and Order, la primera muestra en Argentina de Robert Mapplethorpe, uno de los fotógrafos contemporáneos más transgresores y vanguardistas, que dejó su marca en el New York de principios de los 70´, cuando comenzó retratando a su círculo de amigos y conocidos: artistas y músicos que visitaban los clubes más underground de la ciudad.La retrospectiva exhibe una selección de 130 fotografías producidas entre 1975 y 1988, un período en el que Mapplethorpe comenzó a trabajar con cámaras de medio formato y a priorizar las composiciones de las fotografías, creando de esta forma imágenes de una belleza exquisita.
El material proviene de la Fundación Mapplethorpe, de Nueva York, e incluye las series de naturalezas muertas con flores, los desnudos de hombres y mujeres, las imágenes homoeróticas y sadomasoquistas que tanto revuelo generaron en los 70´, los retratos de artistas y celebridades como Patti Smith, Arnold Schwarzenegger, William Burroughs y Andy Warhol, entre otros; además de sus autorretratos.
La muestra, que será curada por Anne Tucker, curadora de fotografía del Museum of Fine Arts de Houston, se podrá disfrutar hasta el 2 de agosto en la sala 5 del segundo piso del MALBA. En la web de la fundación se pueden ver algunas de las fotografías que serán expuestas
Fragmento del documental de Frank Pierson "Dirty Pictures", sobre la obra de Mapplethorpe
lunes, 31 de mayo de 2010
La gracia felina
Cat Power tocó el sábado pasado en Buenos Aires.
Con una de las primeras lluvias de invierno (aunque oficialmente aún estemos en otoño), llegó Cat Power a la Argentina, en su segunda visita en menos de un año. Ante un teatro Coliseo repleto, Chan Marshall (tal es su nombre casi-real, se llama Charlyn Marie) brindó un recital íntimo, plagado de gestos dulces pero no cursis. Ella siempre será la mujer que canta sobre sus propios problemas de minita, que a la vez son universales, pero nunca cae en el lugar de muchacha-débil-conflictuada-necesita-un-novio-toca-la-guitarra-y-mira-para-abajo.
No nació en New York. Sureña de pura cepa, realizó sus primeras presentaciones en Atlanta pero rápidamente se mudó a NYC, donde conoció a algunos popes del indie: Steve Shelley, baterista de Sonic Youth y Tim Folijahn, de Two Dollar Guitar, que luego le grabaron sus dos primeros discos, Dear Sir (1995) y Myra Lee (1996). Ese último año, firmó contrato con Matador Records, uno de los sellos más reconocidos.
De allí salen sus discos posteriores: What Would the Community Think (1996), Moon Pix (disco íntegramente grabado en Australia en 1998, uno de sus trabajos más sólidos), The Covers Records (2000), You Are Free (2003, mi preferido), The Greatest (el de más éxito comercial, de 2006), Jukebox (de 2008, siguiendo con la tradición de registrar sus homenajes a otras bandas en discos impecables) y Dark End of The Street, del mismo año.
En el medio de todos estos discos, alrededor y adentro de todos estos discos, Chan se drogó mucho, anduvo de novia con Bill Callahan, se convirtió en una talentosísima borracha perdida, fue, volvió y compuso algunas de las canciones más bellas de la historia del rock.
Video dirigido por Harmony Korine.
El sábado reversionó todos sus temas, casi al punto de dejarlos irreconocibles, salvo un puñadito entre los que estaban Metal Heart, The Greatest y Lived in Bars. Es extraño, cada canción tiene su dosis justa de luz y oscuridad, como las de Nick Cave. Te dan ganas de llorar, morirte o de salir a caminar feliz bajo la primera lluvia del casi invierno.
Al ritmo de cada tema, Chan movía los piecitos y los hacía sonar casi como un instrumento más, marcando el pulso. Aunque los juegos de palabras que se desprenden de su nombre harten, la pura verdad es esa: Chan se mueve como la más ágil y sigilosa de los felinos, como la mejor pantera. Puro hambre, corazón y aguante.
sábado, 29 de mayo de 2010
miércoles, 26 de mayo de 2010
Un paseo virtual por el cine y la literatura que ofrece Manhattan
El diario The New York Times diseñó en el año 2006 para su web un mapa literario y cinematográfico de la ciudad, actualmente, es una de las herramientas fundamentales para los amantes de la oferta cultural que ofrece la metrópoli.
La confección del sitio invita a transitar por los lugares de encuentro de escritores y directores, donde han creado, donde han trabajado, hasta donde han bebido sus licores. De algunos se cuentan anécdotas que refieren a su vida privada y otras que respectan a su trabajo. Se pueden ver, además, extractos de relatos como el caso del neoyorkino Truman Capote (727 de la Quinta Avenida: Tiffany´s - opción 42-).
La atractiva idea, aún no puede verse en otros mega sitios como el google maps, que viene monopolizando este tipo de creatividad en la Web. De ahí lo notable de esta propuesta.
El circuito literario
Esta opción llamada A literary map of Manhattan presenta un mapa con 99 puntos que direccionan a un autor distinto. Cada uno es un link que invita a través de una ventana flotante a descubrir algún detalle sobre la vida y obra del personaje en cuestión y su ubicación en la Gran Manzana. La información es breve y prácticamente simbólica del trabajo del autor. Se puede ver en la misma fotos que varían entre las fachadas de los lugares que indica el mapa y los rostros de los autores. La búsqueda es dinámica pero algo acotada por su cantidad limitada de link y por no poseer enlaces a otros sitios que amplien la información.
Esta opción llamada A literary map of Manhattan presenta un mapa con 99 puntos que direccionan a un autor distinto. Cada uno es un link que invita a través de una ventana flotante a descubrir algún detalle sobre la vida y obra del personaje en cuestión y su ubicación en la Gran Manzana. La información es breve y prácticamente simbólica del trabajo del autor. Se puede ver en la misma fotos que varían entre las fachadas de los lugares que indica el mapa y los rostros de los autores. La búsqueda es dinámica pero algo acotada por su cantidad limitada de link y por no poseer enlaces a otros sitios que amplien la información.El circuito cinematográfico
Esta segunda opción, llamada Mayor´s Office of Film, Theatre and Broadcasting es bastante más funcional que la segunda. En principio porque se puede hacer zoom sobre el mapa virtual, lo cual permite ver direcciones exactas y da una mejor idea de la ciudad de Nueva York. El sistema de ventanas flotantes es similar al mapa literario, pero en el cinematográfico algunos datos están enlazados con otras páginas, lo que hace más rica la información.Florencia Golender
domingo, 16 de mayo de 2010
New York, I love you
La gran manzana es un escenario imponente para el relato de cualquier film. Pero en New York, I love you, las pequeñas historias de amor que se muestran son la excusa para rendir homenaje a todo lo que convierte a esta metrópolí en un gran atractivo cultural. El productor francés, Emmanuel Benbihy, realizador de Paris, jet a´ime, película que recibió muy buenas críticas, decidió cruzar el océano para hacer una apuesta similar pero con Manhattan de fondo.
Además de su productor, ambas películas tienen un punto en que se unen y el cual casi convierte a una en secuela de la otra. El misterio develado, aquello que atravieza cada argumento y cada personaje, es el mismo tanto en el suelo parisino como en el neoyorkino. Es que, las ciudades condicionan necesariamente la vida de las personas. Y es posible descubrir en New York, I love you cómo la urbe está fuertemente unida al accionar de sus habitantes (en particular los que muestra el film) y de las relaciones de los mismos entre sí.
Natalie Portman (que actuó y, también, dirigió), Ethan Hawke, Julie Christie y Orlando Bloom son algunos de los protagonistas. Un elenco multi estelar que es otro de los atractivos que ofrece esta película de historias breves y ligadas entre sí.
Florencia Golender
Se abre el mercado para los zombies de Romero
Igualmente, aclaró que al no ser un jugador habitual de videojuegos, no sabe exactamente lo que el público, así que no está seguro si sus ideas encajarían bien en un juego. Las ganas podrían cristalizarse junto a Capcom, la empresa de videojuegos, con la cual tuvo un altercado judicial por la similitud entre su película (Dawn of the Dead, 1978) y el posterior juego Dead Rising. Olvidado el conflicto, Romero podría trabajar en la secuela: Dead Rising 2.
Así, Romero tiene en que pensar mientras espera el estreno de su más reciente film “Survival of the dead”, estimado para el 28 de mayo en los Estados Unidos. Este es el trailer
Pablo Ielasi
domingo, 9 de mayo de 2010
Se pasaron de década
Una vez más (y van...), The Strokes, ha retrasado el lanzamiento de su nuevo álbum. No será en septiembre, como confirmaron en un primer momento sino que para disfrutar algo del nuevo material de esta “histérica” banda no cabe otra alternativa que esperar hasta enero del próximo año.El encargado de comunicar la noticia fue el cantante, Julian Casablancas, y lo hizo a través de una entrevista otorgada a Clash Music, en la que igualmente justificó de alguna forma la posibilidad de un nuevo retraso:
“Creo que (el lanzamiento) será en enero, aunque ya me han dicho que no haga predicciones”, dijo Casablancas.
Desde un punto de vista optimista, el cambio solo hace que uno de los lanzamientos más esperados de 2010 se ha convierta en el más esperado para el 2011. Pero, a decir verdad, este tipo de atrasos, restan en imagen tanto para la banda como para el lanzamiento, y es que en verdad la banda neoyorquina ya había afirmado hace unos meses que los temas estaban totalmente grabados y solo faltaban detalles.
Para cerrar la entrevista, el periodista, le pregunta a Julian cómo ve el futuro de la banda para la nueva década que ha comenzado. Será mejor que saquen un disco antes de que se termine ésta también.
Un poco de los Strokes cuando todavía giraban, componían y grababan
lunes, 3 de mayo de 2010
Nueva York recordó a Mercedes Sosa
La ciudad le rindió homenaje con un recital a sala llena en el Lincoln Center
La ciudad de Nueva York conmemoró a Mercedes Sosa el pasado domingo 25 de abril en el Lincoln Center. En un recital de masiva convocatoria la nostalgia y el recuerdo por la cantante se materializó en las voces de los artistas argentinos y latinoamericanos que se dieron cita en el lugar.
Joan Baez, León Gieco, Eva Ayllón, Guadalupe Pineda, Piero, Tania Libertad, Teresa Parodi, Maridalia Hernández, Bahiano y El Sabalero, fueron algunos de los destacados músicos convocados para el homenaje.
El encuentro tuvo lugar en el Avery Fisher Hall del Lincoln Center, un complejo cultural dedicado a las artes escénicas. El dinero recaudado fue donado a dos instituciones argentinas que Sosa apoyaba.
Canciones como Te recuerdo y Llorona estuvieron a cargo de la estadounidense Joan Baez, quien anteriormente había participado de una gira con la tucumana. Más tarde, la ovación vino de la mano de su interpretación de Gracias a la vida y No nos moverán fácilmente. Otro de los destacados fue León Gieco que frente al público confesó: “A mi me han pasado muchas cosas en mi vida, pero jamás cerrar un espectáculo en el Lincoln Center después de Joan Baez”.
Un párrafo aparte merecen figuras como el uruguayo El Sabalero, la dominicana Maridalia Hernández y las peruanas Eva Ayllón, una de las predilectas de Sosa, y Tania Libertad; que se suman a otros artistas que mantienen vivo el recuerdo de la cantante. En Madrid, el pasado enero, fue el turno del Teatro de la Zarzuela, donde Joan Manuel Serrat y Ana Belén le rindieron tributo a la tucumana.
El cierre neoyorkino estuvo a cargo de todos los músicos convocados interpretando el éxito Sólo le pido a Dios.
Florencia Golender
Surrender to Jonathan
Crónica absolutamente subjetiva sobre el recital del fundador de The Modern Lovers
Primera parte. Ni muerta.
Salí de trabajar con el cuerpo entumecido, totalmente deshecho. Articulaciones crujientes, mi boca seca y la sensación de haber pasado diez horas en un gimnasio con un entrenador nazi: gripe.
Llegué casi arrastrándome a casa, subí las escaleras con pasitos cortos y me zambullí en la cama con la culpa de saber que en mi mesita de luz estaba la entrada para ir a ver a Jonathan Richman que tocaba esa noche. El mismísimo Jonathan Richman, el auténtico papá de la new wave neoyorquina tocaba esa noche y yo, convaleciente, soñaba con envolverme en las sábanas como un canelón para sufrir, para tener fiebre y quejarme, para ver sitcoms en la televisión y toser después de cada carcajada.
Y me acordé de I was dancing in the lesbian bar.
Entonces me puse un vestido, con la mitad del cuerpo todavía en la cama, agarré mi entrada y dos ibuprofenos y me fui a verlo.
Segunda parte. La fauna.
Llegué justo como para ocupar un lugar aceptable en la fila, compuesta de treintañeros y cuarentones más ansiosos que yo, que es probable que lo hayan escuchado por primera vez en cassette, como contó el escritor Santiago Rial Ungaro en Radar. Mientras tanto, yo me moría de esa melancolía que tiene que ver con no haber pertenecido.
El Salón Real -uno de los peores lugares para escuchar bandas; si tienen más de tres instrumentos todas suenan a lata- estaba impecable. Las luces rebotaban en las bolas de espejitos y se disparaban a las paredes. La gente hablaba de Jonathan Richman, yo tomaba fernet con culpa. A Jonathan no le gustan las drogas ni el alcohol.
Antes tocó Les Mentettes, con el aliciente de tener a Pablo de Caro, de Mataplantas, como guitarrista suplente, puesto que al original le había pasado algo malo en las manos. Mentettes se despachó con un mini recital totalmente fresco y prolijo -salvo por los problemitas de Real con las bandas de más de tres instrumentos-, cantado casi en su totalidad en inglés perfecto.
Tercera parte. Surrender to Jonathan.
A la media hora, Jonathan bajó del cielo. Los reflejos de las lucecitas le atravesaban la cara mientras descendía la escalera fastousa de Real, con otra de sus camisas de adulto de los años ochenta, cada uno de sus pelos en su lugar y una sonrisa de buenazo que le ocupaba casi toda la cara. Después me di cuenta de que también le brillaban los ojos.
Durante la hora y media que duró su recital, JoJo habló en español con guiños de porteño; cantó en iddish, en francés, en italiano, en inglés y en una mezcla de todos juntos.
Miró al cielo con los ojos brillantes; o a un punto indeterminado que nuestros ojos de mortales jamás captará.
El baterista que lo acompaña desde hace décadas, Tommy Larkins, brilló en los momentos en que el cantante dejaba la guitarra al pie del micrófono e improvisaba los mejores pasos de baile jamás vistos en un rockero; o cuando una canción propia se deformaba para darle paso a algún clásico de Domenico Modugno o Maurice Chevalier.
Había que hacer silencio absoluto. Richman murmuraba el nombre del siguiente tema, alguna anécdota, o una de esas preguntas con respuesta incorporada, como ¿A qué venimos, sino a caer?
Con 59 años, Jonathan Richman no se apega al pasado. No le importa si fue el papá del punk, de la new wave o de los nuevos crooners norteamericanos. No le importa que unos cuantos sólo lo reconozcan por su participación en la película Loco por Mary y se queden con eso.
Lleva la música adentro, bien hondo, y sus melodías son consecuentes con su búsqueda, que no cesa: explora una, otra y otra vez lo que sus canciones tienen para dar.
Sus letras son siempre en primera persona, haciéndose cargo de cada palabra. Son el resultado de sus experiencias personales, nada extremo ni fuera de lo común (una noche bailando con lesbianas, lidiar con vampiresas, corazones rotos y viajes en auto). Fue esa domesticidad tan bien narrada -como pudo hacerlo Walt Whitman o Jarvis Cocker al frente de Pulp o Pedro Amodio, de Dios, entre un puñado de virtuosos- lo que nos dejó a todos más de media esperando nada después del recital, como saboreando una exquisitez.
Primera parte. Ni muerta.
Salí de trabajar con el cuerpo entumecido, totalmente deshecho. Articulaciones crujientes, mi boca seca y la sensación de haber pasado diez horas en un gimnasio con un entrenador nazi: gripe.
Llegué casi arrastrándome a casa, subí las escaleras con pasitos cortos y me zambullí en la cama con la culpa de saber que en mi mesita de luz estaba la entrada para ir a ver a Jonathan Richman que tocaba esa noche. El mismísimo Jonathan Richman, el auténtico papá de la new wave neoyorquina tocaba esa noche y yo, convaleciente, soñaba con envolverme en las sábanas como un canelón para sufrir, para tener fiebre y quejarme, para ver sitcoms en la televisión y toser después de cada carcajada.
Y me acordé de I was dancing in the lesbian bar.
Entonces me puse un vestido, con la mitad del cuerpo todavía en la cama, agarré mi entrada y dos ibuprofenos y me fui a verlo.
Segunda parte. La fauna.
Llegué justo como para ocupar un lugar aceptable en la fila, compuesta de treintañeros y cuarentones más ansiosos que yo, que es probable que lo hayan escuchado por primera vez en cassette, como contó el escritor Santiago Rial Ungaro en Radar. Mientras tanto, yo me moría de esa melancolía que tiene que ver con no haber pertenecido.
El Salón Real -uno de los peores lugares para escuchar bandas; si tienen más de tres instrumentos todas suenan a lata- estaba impecable. Las luces rebotaban en las bolas de espejitos y se disparaban a las paredes. La gente hablaba de Jonathan Richman, yo tomaba fernet con culpa. A Jonathan no le gustan las drogas ni el alcohol.
Antes tocó Les Mentettes, con el aliciente de tener a Pablo de Caro, de Mataplantas, como guitarrista suplente, puesto que al original le había pasado algo malo en las manos. Mentettes se despachó con un mini recital totalmente fresco y prolijo -salvo por los problemitas de Real con las bandas de más de tres instrumentos-, cantado casi en su totalidad en inglés perfecto.
Tercera parte. Surrender to Jonathan.
A la media hora, Jonathan bajó del cielo. Los reflejos de las lucecitas le atravesaban la cara mientras descendía la escalera fastousa de Real, con otra de sus camisas de adulto de los años ochenta, cada uno de sus pelos en su lugar y una sonrisa de buenazo que le ocupaba casi toda la cara. Después me di cuenta de que también le brillaban los ojos.
Durante la hora y media que duró su recital, JoJo habló en español con guiños de porteño; cantó en iddish, en francés, en italiano, en inglés y en una mezcla de todos juntos.
Miró al cielo con los ojos brillantes; o a un punto indeterminado que nuestros ojos de mortales jamás captará.
El baterista que lo acompaña desde hace décadas, Tommy Larkins, brilló en los momentos en que el cantante dejaba la guitarra al pie del micrófono e improvisaba los mejores pasos de baile jamás vistos en un rockero; o cuando una canción propia se deformaba para darle paso a algún clásico de Domenico Modugno o Maurice Chevalier.
Había que hacer silencio absoluto. Richman murmuraba el nombre del siguiente tema, alguna anécdota, o una de esas preguntas con respuesta incorporada, como ¿A qué venimos, sino a caer?
Con 59 años, Jonathan Richman no se apega al pasado. No le importa si fue el papá del punk, de la new wave o de los nuevos crooners norteamericanos. No le importa que unos cuantos sólo lo reconozcan por su participación en la película Loco por Mary y se queden con eso.
Lleva la música adentro, bien hondo, y sus melodías son consecuentes con su búsqueda, que no cesa: explora una, otra y otra vez lo que sus canciones tienen para dar.
Sus letras son siempre en primera persona, haciéndose cargo de cada palabra. Son el resultado de sus experiencias personales, nada extremo ni fuera de lo común (una noche bailando con lesbianas, lidiar con vampiresas, corazones rotos y viajes en auto). Fue esa domesticidad tan bien narrada -como pudo hacerlo Walt Whitman o Jarvis Cocker al frente de Pulp o Pedro Amodio, de Dios, entre un puñado de virtuosos- lo que nos dejó a todos más de media esperando nada después del recital, como saboreando una exquisitez.
Broken Bells, lo nuevo de Danger Mouse
Aires psicodélicos y melodías empalagosas. Son las dos primeras impresiones que genera el disco de Broken Bells, llamado igual que la banda, formada por el brillante DJ, productor y “ruidista”, Brian Burton más famoso como Danger Mouse.Parece que luego del suicidio de Mark Linkous, de Sparklehorse, con quien grabó el año pasado el sorprendente Dark Night Of The Soul, Danger Mouse ha encontrado un nuevo compañero de composición totalmente complementario a sus ideas, el cantante de The Shins, James Mercer.
Ambos decidieron componer un álbum inspirados en las bandas de pop barroco de la década del 60´, como Love y The Zombies, y el resultado es impresionante. Un disco hipnótico que mezcla esa idea de guitarras simples y voz suave de Mercer con los sobrearreglos sónicos y futuristas del compositor de The Grey Album. Para realizar el disco, Mercer se mudó al departamento del tecladista neoyorquino, y allí se quedaba a componer durante períodos de dos semanas en las que convivían.
Broken Bells tocando The Ghost Inside en un festival en Red River Garage
domingo, 25 de abril de 2010
Alvaro Liuzzi y las nuevas plataformas tecnológicas en las redacciones periodísticas
El periodista platense, Alvaro Liuzzi, especialista en nuevas formas de plataformas tecnológicas en el ámbito laboral de las empresas periodísticas, y gestor del blog Segundo Plano, brindó una conferencia de prensa en TEA adelantando algunos aspectos del documental que está realizando acerca de la integración de redacciones en diarios de
Los modelos de integración periodística que explica Liuzzi son los de las redacciones de Clarín y Crítica, de
Modelo de integración de Clarín:
Modelo de integración de Crítica:
Modelo de integración de El Mundo:
Modelo de integración de La información:
Además, aclaró el significado de la función de Community Manager , cargo que en la actualidad tiene mucha importancia en el circuito de las redacciones digitales
Y el concepto de integración al que hace referencia
El periodista hizo hincapié en la formación constante de los periodistas como principal motor para seguir la dinámica de la tecnología aplicada al medio digital, y el uso correcto de las nuevas herramientas disponibles
También, promovió la importancia de la experimentación, del feedback entre periodista y lector, y criticó a los sitios que no “enlazan” entradas de sus competidores
En cuanto a la polémica de si es conveniente o no la integración
Además, desmintió por completo la mediatizada afirmación de que vivimos una época de crisis en el periodismo
Para finalizar, Liuzzi calificó a los medios que mejor se desempeñan digitalmente en
Pablo Ielasi, Florencia Golender, Fabiola Mieres
lunes, 19 de abril de 2010
Los trabajos de Scorsese
El gran director neoyorquino, Martin Scorsese comenzará a rodaren mayo próximo, The invention of Hugo Cabret, que será su primera película infantil y en formato 3D. Situada en París en los años treinta. La misma tratará acerca de un niño huérfano de doce años que vive en una estación de tren y que un día decide terminar de construir el robot que había empezado su padre.
En el reparto se encuentran nombres como el de Sacha Baron Cohen, como el tío de Hugo; Ben Kingsley como George Méliès y los niños Asa Butterfield y Chloe Moretz. La novela homónima ha sido adaptada al guión por John Logan, que ya trabajó con Scorsese en El aviador. En el film habría grandes decorados, y cierta dosis de magia y misticismo.
Al terminarla, Scorsese comenzaría a filmar Silence, basada en una novela de Shusaku Endo. Es la historia de dos jesuitas que llegan a Japón en el siglo XVII, escapando de persecuciones y violencia, para encontrar a su mentor y expandir el cristianismo. En este film, los actores principales confirmados son Benicio Del Toro, Daniel Day-Lewis y Gael García Bernal.
Finalmente, en The irishman, El director volvería a trabajar con su actor fetiche, Robert De Niro, quién encarnaría al histórico personaje de Frank “el irlandés” Sheeran, una leyenda del crimen por haber ejecutado más de 25 asesinatos por orden de
A pesar de que él mismo dejó en claro su calendario de rodajes, las prioridades pueden ser modificadas ya que en el Festival de Cine de Berlin, Scorsese conoció a su par danés, y admirador confeso, Lars Von Trier, y éste, le propuso un misterioso proyecto .
Los rumores indicaban que se podía tratar de una remake de la exitosa Taxi Driver (1976), uno de los Films más exitosos de Scorsese, pero el rumor ya fue desmentido. Ahora se sabe que Von Trier pretende hacer un documental que contenga un desafío en el que pondría a Scorsese una serie de limitaciones arbitrarias para llevar a cabo una ficción, como ya hizo con Jorgen Leth en The Five Obstructions.
En ese film, Von Trier le planteó al realizador de El hombre perfecto (1967), rodar cinco variantes del mediometraje, exigiéndole hacerlo en dibujos animados, rodarlo en el barrio más pobre de Mumbay y que cada plano tuviera un máximo de 12 fotogramas. Aún nada se sabe de cómo encajará este extraño proyecto dentro del sinfín de ocupaciones que se cargó Scorsese.
Pablo Ielasi
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